Todas las canciones de las bandas sonoras de Guardianes de la Galaxia, clasificadas

Nov 10, 2023

por piedra rodante

Un Rip Van Winkle que se durmió en 1980 y se despertó en 2014 podría haberse sorprendido al descubrir que los jóvenes de 14 años de Estados Unidos todavía estaban de alguna manera cavando súper éxitos de los años setenta como "Escape (The Piña Colada Song)" y "Come y consigue tu amor". Ese verano, Guardianes de la Galaxia: Awesome Mix Vol. 1 se convirtió en el primer álbum de la banda sonora de canciones lanzadas anteriormente en llegar a la cima de la lista de álbumes Billboard 200, gracias al uso de la película, a veces divertido, a veces conmovedor, siempre amorosamente vengativo de clásicos del pop, rock y soul de la gloria. dias de radio AM oro. The Awesome Mixtape pasó de "I Want You Back" de Jackson 5 a "Moonage Daydream" de David Bowie a "Come and Get Your Love" de Redbone a "Ain't No Mountain High Enough" de Marvin Gaye y Tammi Terrell. La segunda banda sonora de Guardianes, de 2017, fue igual de buena, destacada por Fleetwood Mac, Glen Campbell, Looking Glass y una de las mejores baladas del gran soul Sam Cooke.

En la tercera película de Guardianes, nuestro héroe Star-Lord se encuentra con un reproductor Microsoft Zune, un artefacto de principios del siglo XXI que permite una banda sonora más históricamente diversa. Como el director de The Guardians, James Gunn, le dijo recientemente a Rolling Stone, describiendo la nueva película: "No comienza con 'Come and Get Your Love'. Comienza con la versión acústica de Radiohead de 'Creep'. Y ese es un tono muy diferente desde el principio al de las otras dos películas".

Para celebrar toda la excelente música de estas películas, hemos elaborado nuestra clasificación definitiva de cada canción de las tres bandas sonoras de Guardianes de la Galaxia. El criterio era simple: si la canción es increíblemente increíble, ocupa un lugar destacado en la lista; si solo es muy impresionante, va un poco más abajo, con el final de la lista lleno de canciones de nivel moderado a bajo. Como dijo una vez el siempre sabio Drax: "Hay dos tipos de seres en el universo: los que bailan y los que no".

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Cuando era un niño que crecía en la década de 1970, al director de Guardianes de la Galaxia, James Gunn, le encantaba la versión disco del tema de Star Wars que encabezó las listas de éxitos en 1977. Él y el compositor de Guardianes, Tyler Bates, aprovecharon esa vibra con su versión disco del tema de Guardianes, y consiguieron que Knight Rider y la leyenda de Baywatch, David Hasselhoff, aparecieran en el cursi video que hicieron para él. —JD

Una de las pistas más recientes que ha aparecido en cualquier banda sonora de Guardians, el sencillo "San Francisco" de Mowgli de 2012 es un granero ruidoso y gritón, tan contagioso en su energía que no necesita más que un montón de "doo doo doos" para un gancho. La banda, que en algunos momentos contaba con nueve miembros, escribió la canción en una noche en la habitación de un motel. Vecinos afortunados. —CP

Si bien esta canción del compositor de J-pop EHAMIC (nombre real: Mikito Ehara) data de 2018, sus componentes de sonido antiguo encajan perfectamente con el ambiente retro de Guardianes. La percusión, el riff de guitarra y las voces enérgicas suenan como algo sacado directamente de la banda sonora de una película de monstruos loca de los años sesenta; la línea de bajo tiene un latido disco; y hay una acumulación electrónica que podría ser una versión Muzak de "White Lines" de Grandmaster Flash. —JG

El trío de rock de Chicago Aliotta Haynes Jeremiah siempre ha afirmado que "Lake Shore Drive" se inspira únicamente en la grandeza de la famosa vía norte-sur de su ciudad natal y no en su acrónimo nudge-nudge wink-wink. La hoja de letras en realidad respalda esto, al igual que el rebote de la música. No es de extrañar que Star-Lord lo haya metido en la casetera para la primera escena de despegue en Guardianes vol. 2. —CP

El exitoso sencillo de los hibridistas del Área de la Bahía Faith No More es una burla salpicada de saliva ante la grandiosidad egoísta de las obras benéficas de las estrellas del pop de los ochenta como Live Aid y "We Are the World". Si bien el vocalista de "Care", Chuck Mosley, dejó la banda en 1988, el bajo prominente y los sintetizadores inquietantes del corte, así como su actitud asombrosa hacia la cultura de masas absolutamente limpia, siguen siendo el sello distintivo de la estética Faith No More. "Es una banda totalmente diferente en muchos sentidos: cantante totalmente diferente, la toca un grupo de chicos de 21 años que son muy ingenuos, y puedes escuchar la ingenuidad en la música", dijo el bajista Bill Gould en un entrevista 2016. "Es muy primitivo en algunos aspectos, pero al mismo tiempo, es interesante para las personas que conocen Faith No More ahora". —MJ

Un estándar de vodevil publicado por primera vez en 1917, "I'm Always Chasing Rainbows" tuvo un gran éxito para Charles W. Harrison en 1918, se registró en 1946 para Perry Como, recibió interpretaciones fieles de Julie Andrews y Judy Garland, entre muchos otros, y finalmente fue hecho añicos por una lasciva Alice Cooper en su segundo solo, LP Alice Cooper Goes to Hell. Todavía es un canto sensiblero, igual que siempre, pero la versión de Cooper destaca lo absolutamente deprimente que es la letra. —CP

Si bien el estribillo de esta canción de 1983 de los post-punkers británicos The The se define por su entusiasmo, sus versos detallan el tipo de depresión paralizante que solo podría resultar de una vida definida por expectativas frustradas. El acordeón llorón y los sintetizadores centelleantes, combinados con la entrega lacerante de los versos del vocalista Matt Johnson, hacen de "This Is the Day" un punto de referencia ideal para el "rock moderno", el inteligente híbrido de post-punk, synthpop y rarezas musicales que gobernó Las listas de reproducción más populares de Estados Unidos hasta principios de los noventa. —MJ

Combinando las cuerdas dramáticas y las jugosas guitarras del country-pop de la era dorada con un estribillo contundente sacado directamente de la sección glam de una tienda de discos, este corte de 1976 fue el único éxito de Billboard Hot 100 para la banda de Los Ángeles Silver. (Tenía el toque de Midas de Clive Davis, quien coprodujo la canción como director del sello discográfico de Silver, Arista). la secuencia de lucha culminante del Galaxy 2, agregando un poco de ligereza antes de que comience la acción seria. —MJ

Con la tercera banda sonora de Guardianes, James Gunn ha incluido varias melodías que ofrecen una prueba definitiva de que fue a la universidad durante la década de 1980. Esta es una de ellas: X fue una de las mejores bandas de la escena punk de Los Ángeles de principios de los ochenta, con John Doe y Exene Cervenka compartiendo una química candente sobre la guitarra rockabilly de Billy Zoom. "Poor Girl" es un momento tierno de su álbum de 1983, More Fun in the New World, probablemente una mejor elección para una película de superhéroes que otros clásicos de X como "Sex and Dying in High Society" o "Johnny Hit and Run Pauline". —JD

El gusano de oído de 1964 "Come a Little Bit Closer" es una de las melodías más antiguas del canon de los Guardianes. Escrita por Tommy Boyce y Bobby Hart, es una cancioncilla que suena vagamente latina sobre un tipo en una cantina mexicana que decide en contra de su buen juicio bailar con una chica que acaba de conocer, solo para que aparezca su novio José, disgustado con la situación. . en vol. 2, tiene como banda sonora una fuga durante la cual el pirata espacial Yondu asesina a docenas y docenas de enemigos, uno por uno, con una flecha que controla con su voz y una gran aleta roja en su cabeza. La combinación de una vieja melodía pop desechable y divertida con una violencia grizzly se siente más como Tarantino que como un éxito de taquilla de verano. —JG

Tiene sentido que la franquicia más alucinante de Marvel finalmente encuentre su camino hacia los abanderados de la psicodelia pop posmilenial. Sigue siendo la canción individual más conmovedora de Flaming Lips, "¿¿Te das cuenta??" encuentra algo humano y temporal en medio de la maravilla de la ciencia ficción, con Wayne Coyne recordándonos tímidamente a todos que incluso cuando tenemos los pies en el suelo, todos estamos flotando en el espacio. —CP

El catálogo de Allen Toussaint como productor ("Cissy Strut" de Meters, "Right Place, Wrong Time" de Dr. John, "Lady Marmalade" de Labelle) e intérprete casi define el R&B de Nueva Orleans. Pero aunque "Southern Nights", la canción principal del álbum de Toussaint de 1975, sigue siendo una belleza nebulosa, esa no es la versión perdurable. Eso perteneció a Glen Campbell, quien en 1977 eliminó la oscuridad, aumentó el tempo, colocó una guitarra deslizante y lo llevó al número uno de country y pop, y ganó el premio Toussaint a Country Music Association a la Canción del año. —MM

Escrita por Mark James (cuyos créditos incluyen el último número uno de Elvis Presley, "Suspicious Minds") y originalmente un éxito de BJ Thomas en 1968-69, "Hooked on a Feeling" volvió a ser famosa por Blue Swede, un grupo de rock escandinavo que estaban haciendo una versión reggae de la canción de 1971 de un grupo jamaiquino llamado Twinkle Brothers. Se usó en el tráiler de los primeros Guardianes, un poco de puntuación que le hizo saber al público que esta era una película de Marvel que no sonaría como ninguna anterior. —JG

Hay una tendencia a pensar en "Creep" como la juventud del catálogo de Radiohead, antes de The Bends, antes de las "cosas reales". Pero lo contrario es realmente cierto: "Creep" es un vistazo temprano a todo el potencial de la banda, un desastre de angustia y autodesprecio con guitarras que suenan como un glaciar derritiéndose. La famosa interpretación acústica corta la pista hasta la médula, destacando la voz de Thom Yorke con un efecto devastador. (Puedes escucharlo deconstruido aún más con el remix apocalíptico de nueve minutos de Yorke de 2021). —CP

La balada de angustia generacional de Cat Stevens es la banda sonora de la conmovedora escena final de la segunda película de Guardianes, alcanzando un punto dulce nostálgico para los padres acompañantes de las noches de cine mayores que crecieron escuchando las copias de Tea for the Tillerman de sus padres. Stevens la escribió para un musical nunca terminado llamado Revolussia sobre la Revolución Rusa en el que empezó a trabajar a finales de los sesenta; Más tarde dijo que reflejaba su relación con su padre. —JD

Cuando el exguitarrista de Argent, Russ Ballard, grabó "Since You Been Gone" para Winning de 1976, tenía todas las características de una joya AOR de mediados de los setenta: un estribillo sha-la-la-ready, letras de nostalgia por un amor perdido, una línea de teclado suavemente espaciada enterrada en la mezcla. Tres años más tarde, Rainbow, liderada por Ritchie Blackmore, estaba agregando algo de brillo a su sonido proto-power-metal después de la partida del aullante fundador Ronnie James Dio, y su versión más dura de "Gone" mostró cuán fácilmente el pop se mezclaba con su aleación. , con el nuevo vocalista Graham Bonnet mostrando sus formidables flautas y Blackmore interpretando un solo dulcemente virtuoso. —MJ

"In the Meantime" de Spacehog presenta una de las primeras aperturas de la radio de rock alternativo de los noventa: un destello de guitarra reconocible al instante, una acumulación de guitarra y batería en fase, y luego un gancho sin palabras. La banda es una maravilla de un solo éxito, pero en un estilo Brit-pop muy informal y arty; "In the Meantime" presenta una muestra elegante de la canción de 1981 "Telephone & Rubber Band" de los minimalistas ingleses de avant-pop Penguin Cafe Orchestra. —CP

Aunque el difunto Maurice White fue el instigador, líder y principal productor de la extensa banda de funk clásico Earth, Wind & Fire, algunas de sus canciones más resonantes provienen del arreglista y coproductor Charles Stepney, quien murió en 1976. No puedo hablar de 'Reasons', 'That's the Way [of the World] y muchas otras canciones sin mencionar a Charles Stepney", dijo Philip Bailey en 1986. "Debido a que muchas de esas melodías y cambios de acordes salieron directamente de su sótano, en un cuatro pistas... Charles era simplemente un genio musical, realmente lo era". Stepney había compuesto la melodía elástica de "Reasons" en un sintetizador Mini-Moog. Pero fue la interpretación de Bailey con todo y su reluciente falsete lo que convirtió la canción, cuya letra es, irónicamente, sobre una aventura de una noche, en un estándar de bodas y bailes de graduación. —MM

George Harrison obtuvo el primer puesto en las listas de éxitos de un ex Beatle cuando este corte divinamente inspirado de su obra maestra All Things Must Pass alcanzó el número 1 en el Billboard Hot 100 a fines de 1970. Harrison comenzó a escribir la canción mientras estaba de gira con el dúo de blues-folk. Delaney y Bonnie en 1969, tomando el concepto detrás de sus anhelantes versos de un libro del monje indio Swami Vivekananda. "Él dijo: 'Si hay un Dios, debemos verlo. Si hay un alma, debemos percibirla", dijo Harrison a Timothy White de Billboard en 1992. "De lo contrario, es mejor no creer. Es mejor ser un ateo declarado que un hipócrita.' … Pensé: '¡Ese es el indicado para mí!' Si hay un Dios, quiero verlo". —MJ

"Spirit in the Sky" comenzó su ascenso como una demostración folk del compositor Norman Greenbaum, pero creció en el estudio cuando el productor Erik Jacobson la construyó con percusión, coros y el singular sonido Telecaster de Greenbaum, proporcionado por una unidad fuzz incorporada. , creando un riff de apertura reconocible al instante. El resultado fue una canción de gospel-rock levemente psicodélica escrita por un chico judío, inspirado por su amor por los westerns. Según una entrevista de Rolling Stone de 2020, Greenbaum señaló que conocía varias funerarias que lo usaban en anuncios. –JG

Un dulce de power-pop que desarma, el éxito de 1972 de los Raspberries, "Go All the Way", entierra un coro entusiasta y sorprendentemente centrado en el consentimiento debajo de una capa exterior crujiente de riffs proto-garage justos. La banda con sede en Cleveland se ganó la ira por tocar rock al estilo de la invasión británica con esmóquines blancos, pero las canciones del grupo eran el mejor tipo de pastiche, incorporando una miríada de influencias en algo inminentemente consumible. —CP

El exitoso sencillo de 2009 de Florence + the Machine, que aparece en la banda sonora del vol. 3, es un himno contundente que captura la emoción aterradora que invade la mente cuando un sueño se hace realidad, y su exultante estribillo de gritos proviene de Florence Welch que recorre Londres, encontrando inspiración en los detalles de sus viajes. "'Dog Days Are Over' se inspiró directamente en una instalación de arte del artista Ugo Rondinone", dijo Welch a ArtistDirect en 2010. "Tiene una instalación de arte al costado de esta galería en Nueva York que simplemente dice: 'Diablos, sí !' Ugo tenía una instalación en el costado de otro edificio que decía: 'Dog Days Are Over'. Eso me inspiraba cada vez que montaba en bicicleta sobre el puente de Waterloo, y esencialmente fue la chispa de toda la canción". —MJ

Looking Glass se inició en la misma escena del club de Jersey Shore que Bruce Springsteen. Después de fichar a la banda por Epic Records, el director del sello, Clive Davis, los envió a Memphis para grabar con la leyenda de Stax/Volt, Steve Cropper. Cuando esa sesión no funcionó, regresaron a Nueva York para terminar "Brandy". "Me gustó la idea de tratar de contar una historia completa en dos minutos y 59 segundos", recordó el cantante y guitarrista de Looking Glass, Elliot Lurie. Hizo un buen trabajo, brindando a generaciones de barflies junto a la playa un clásico marinero para cantar borracho mientras las emociones se vuelven pegajosas a la hora del cierre. —JD

Un punto culminante del hard rock de los primeros y desagradables años de los Beasties, de una época, vale la pena recordar, cuando muchos veían a Brooklyn como un remanso de este lado, a diferencia de la moda enrarecida de Manhattan. En cambio, los raperos se celebraron a sí mismos: "¡Nunca, nunca falso metal!" gritan (incluso cuando el video parodiaba los clips de Poison y Whitesnake) antes de que Kerry King de Slayer rompiera un solo culminante, incluso si su personalidad exagerada llevaría a Mike D a admitir en ese momento: "Creo que si no estuviera en los Beastie Boys, Definitivamente odiaría algo de esto". —MM

"La melodía es agradable", informa Gamora a Star-Lord, cuando él toca "Fooled Around and Fell in Love". De hecho, es. Elvin Bishop era un blues-rocker veterano cuya carrera se remontaba a mediados de los sesenta cuando tocaba en la Paul Butterfield Blues Band. Sabiendo que tenía algo especial con la sublime "Fooled Around and Fell in Love", le entregó la voz principal al cantante Mickey Thomas, temiendo que su propia voz áspera no fuera la adecuada para una canción tan suave. —JD

Justo cuando se estaba masterizando el tercer álbum de Replacements, Hootenanny, el cantante y compositor de la banda, Paul Westerberg, llamó al manager Peter Jesperson y le dijo: "Acabo de terminar la mejor canción que he escrito. Necesitamos grabarla". ahora." Era demasiado tarde para agregarlo al álbum terminado, por lo que fue el eje del siguiente, el magistral Let It Be de 1984. Cuando Jesperson escuchó "I Will Dare" por primera vez, su reacción: "Fue tan pegadizo al instante", le dijo al biógrafo de Replacements, Bob Mehr, pronto resonó en todo el clandestino de la radio universitaria, antes de abrirse camino en la Galaxia más grande. —MM

Los hermanos mitad mexicanos mitad nativos americanos Pat y Lolly Vegas tenían antecedentes musicales fascinantes mucho antes de que comenzaran la banda Redbone, tocando de todo, desde jazz hasta música surf y sesiones de rock & roll de los años sesenta. Hicieron solo un éxito duradero como grupo, pero es tan alto como su árbol homónimo: un clásico instantáneamente atractivo de lanzamiento de llamada y respuesta. (Dos décadas más tarde, la unidad de Eurodance Real McCoy golpeó con una nueva versión de synth-house igualmente linda). Cuando Redbone interpretó la canción en Midnight Special de TV, la precedieron con casi un minuto de baile nativo americano, mientras que los hermanos Vegas actuaron en regalía completa. —MM.

El sencillo debut de la banda femenina de Los Ángeles The Runaways, "Cherry Bomb", arrojó una granada de clarete al mundo del power pop y el glam de los setenta, siguiendo la canción histórica de los Ramones "Blitzkrieg Bop" por aproximadamente un mes y prefigurando la explosión de popularidad del punk. por casi un año. Escrita por Joan Jett, una de las estrellas de rock más geniales de todos los tiempos, y el manager de Runaways, Kim Fowley, una de las personas menos geniales en la historia de la música, "Cherry Bomb" sonaba en realidad en el set mientras los Guardianes se preparaban para su batalla final con Ronan el Acusador. —JG

Los miembros de 10cc se reunieron por primera vez como músicos de sesión en Manchester, Inglaterra, a principios de los setenta. "I'm Not in Love" es lo más suave que jamás haya tenido el rock suave, deslizándose en poco más que un pequeño piano Fender, un bombo tocado en un sintetizador Moog y las voces entrecortadas, casi fantasmales, del grupo. Usaron bucles de cinta para dar sus sutiles ahhs en una deslumbrante sensación de coro en capas, llegando a un sonido ingeniosamente ligero que presagiaba las texturas ambientales refinadas de bandas como Stereolab, Broadcast y Air por aproximadamente dos décadas. —JD

Incluso para los estándares de rareza de la década de 1970, Sweet era una banda extraña con una discografía confusa y muchos álbumes de EE. UU. Y el Reino Unido con el mismo nombre y canciones diferentes. Muchos de sus primeros éxitos fueron escritos por los productores expertos en power-pop Nicky Chinn y Mike Chapman, y estaban dirigidos al glam fandom. Otros sencillos fueron escritos por la propia banda, pero a menudo todavía producidos por Chinn y Chapman con una inclinación más pesada. A veces, la banda cubría sus apuestas: la versión del álbum de 1974 de este monstruo es mucho más pesada que la regrabación más conocida de 1975, que cae en una apertura de sintetizador inspiradamente cursi, un sonido más chic y menos solos de guitarra. Ambos son geniales: el dulce baterista Mick Tucker siempre creó partes geniales, y las letras son extremadamente sobre una groupie. —JG

Louche en la superficie pero ridículamente romántico en su esencia, el incesantemente pegadizo corte de reggae-pop "Escape (The Piña Colada Song)" condensa la cúspide de los años setenta y ochenta en cuatro minutos relajados: cierra los ojos y puedes ver el Lámparas de Tiffany y helechos que decoran O'Malley's, el bar donde Rupert Holmes y su corresponsal de publicidad personal programan su primera cita. El autor de la carta en realidad se encuentra con su esposa, lo que crea una historia de perros peludos que sería el éxito de cualquier fiesta clave. La entrega avergonzada de Holmes y la guitarra eléctrica gruesa como una alfombra, así como su coro jubiloso, convierten a "Escape" en una fuente de comodidad kitsch, ideal para que Star-Lord la use como banda sonora de descompresión mientras aprecia el regreso de su Walkman. en la primera entrega de Guardianes. —MJ

David Bowie era un tipo de cómic, en todos los sentidos: le gustaban, escribió uno y ha escrito varios sobre él. ¿Y qué es Ziggy Stardust sino un héroe de cómic viviente? "Moonage Daydream" es la mejor canción de cadete espacial de Bowie en una carrera que tuvo no pocos. Cortó dos versiones de este clásico. El primero es un entrenamiento relativamente rígido con una banda llamada Arnold Corns. La última versión, más conocida, cortada con Spiders From Mars lo tiene todo: un riff de apertura épico, pianos y guitarras acústicas y cuerdas apiladas, letras sobre ojos eléctricos y pistolas de rayos, y un solo de Mick Ronson que es pura llamarada solar. También es la canción perfecta para la banda sonora de los héroes Guardianes que vuelan a una colonia minera construida alrededor del enorme cráneo de un dios del espacio. —JG

Como una forma de mentalizarse mientras se distrae al oponente antes de un enfrentamiento, no hay nada mejor que lanzarse al éxito de soul-pop de 1970 de la banda familiar de Chicago Five Stairsteps, "Ooh Child", y Star-Lord hace precisamente eso cuando se enfrentó a Ronan el Acusador en la primera entrega de Guardianes. Incluso tiene movimientos para acompañar la letra resuelta, lo que lo inspira a convocar un baile que lleva a su "gran flor de mierda" de un enemigo que tiene su atención lo suficientemente desviada. —MJ

Un elemento básico de la radio de rock durante la mayor parte de las últimas seis décadas, "Crazy on You" pasa de los juegos previos acústicos a la lujuria eléctrica atronadora, una oda entusiasta a tener mucho sexo antes de irse a Vietnam o como una válvula de seguridad adolescente contra el caos de Convulsión social de los años 70. Antes de su uso en Vol. 3, "Crazy" sirvió como banda sonora de películas y televisión desde principios de la década de 1980, lo que significa un deseo femenino imparable en todas partes, desde la película de culto de 1981 American Pop hasta la impresionante The Virgin Suicides de Sofia Coppola y, por supuesto, Harold y Kumar Go to White. Castillo. —JG

"Este es Sam Cooke... uno de los mejores cantantes de la Tierra de todos los tiempos", le dice Peter Quill a Gamora mientras la acerca mientras le presenta el concepto de baile en la primera película de Guardianes. Si bien algunos podrían cuestionar la calificación de Quill, seguramente Cooke está en la lista de los mejores de la galaxia, si no del universo. — no se puede negar que el tema "Bring It on Home to Me", con tintes de gospel, que se lanzó apenas dos semanas después de que Cooke lo grabara frente a una banda de acompañamiento de 18 integrantes en la primavera de 1962, sigue siendo uno de los más sublimes del pop. descripciones de anhelo. —MJ

Una canción sobre la desesperación y las dificultades tan imparablemente ansiosa que se convierte en un himno de determinación irregular y esperanza contra viento y marea, "Badlands" abre el cuarto álbum de Bruce Springsteen, Darkness on the Edge of Town, con lo que Stevie Van de la E Street Band Zandt llamó "una especie de heroísmo guerrero". "Badlands" es donde Springsteen desvió su enfoque de las historias sobre niños de Jersey con sueños de Nueva York y hacia el corazón de Estados Unidos, de donde supuestamente nacen los héroes guerreros. —JD

Marvin Gaye y Tammi Terrell suenan listos para conquistar el mundo en esta canción, y no es solo la letra: el entusiasmo en sus voces es irresistible y convincente, impulsado por uno de los arreglos más urgentes de Motown. Los escritores de marido y mujer Nickolas Ashford y Valerie Simpson eran expertos en melodrama musical, la mezcla embriagadora de aguijones fílmicos y fraseo gospel, por ejemplo, pero el verdadero impulso de la canción proviene del bajista James Jamerson. Toma el mando desde el primer compás y nunca se rinde, incansablemente dispuesto a empujarte por la montaña él solo. —MM

Era imposible para Vol. 2 para tener una escena de apertura tan sorprendente y alegre como el baile de Star-Lord alrededor de un planeta antiguo al ritmo de "Come and Get Your Love" de Redbone en la primera película de Guardians, pero usando el gloriosamente soleado "Mr. Blue Sky" de ELO para patear fuera de vol. 2 estuvo bastante bien. La melodía del 77 siempre ha tenido una vibra de cadete espacial: la alegre letra de Jeff Lynne sobre nada, esa parte entrecortada de violonchelo y un codificador de voz que suena transmitido desde Marte. Niños de trece años que no conocían a Jeff Lynne de Jeff Bezos se convirtieron en fanáticos de ELO de la noche a la mañana, mientras nuestros héroes luchaban contra monstruos gigantes y un inconsciente Baby Groot se abría paso a través de rayos láser y tentáculos voladores. —JG

La premisa de cargar una película de Marvel con pistas clásicas podría haber llevado a una cadena interminable de "¡Reconozco eso!" gotas de aguja. En su lugar, reservan los grandes éxitos para cuando realmente los necesitan, como el aguijón final de la primera película del bebé Groot que poco a poco se convence de que se mueva junto con el inmortal "I Want You Back" de los Jackson 5. La pista, desde esa cascada de apertura en adelante, sigue siendo innegable, animada por la mejor línea de bajo ambulante de la galaxia. —CP

La poderosa pieza central de la obra maestra de Fleetwood Mac, Rumours, tomó forma muy gradualmente. "[Empezó] como una canción en Sausalito", dijo la guitarrista y cantante Lindsey Buckingham a Cameron Crowe de Rolling Stone en 1977. "Decidimos que necesitaba un puente, así que cortamos un puente y lo editamos en el resto de la canción. no obtuvimos una voz y la dejamos durante mucho tiempo en un montón de piezas. Casi se sale del álbum. Luego volvimos a escuchar y decidimos que nos gustaba el puente, pero no nos gustaba el resto de la canción... El El final era lo único que quedaba de la pista original. Terminamos llamándolo 'The Chain' porque eran un montón de piezas". Pero reflejó perfectamente a una banda que casi se había hecho pedazos al hacer el álbum, y se mantuvo como un himno de resistencia romántica. —MM

Una oda épica al extraño caos de la década de 1970, "Surrender" es un grito de guerra, una declaración de intenciones para todos los niños de la Generación X (y sus padres) que parecían un poco raros. Nada sobre la batería ligeramente marcial ni el sonido de la guitarra de apertura y el brillo del sintetizador te preparan para el rebuzno astuto de Robin Zander sobre cómo su madre lo está instruyendo para evitar las ETS. El coro se convierte en un gran consejo de vida de todos los tiempos: "Ríndete/Pero no te delates". No es solo el mejor sencillo de Cheap Trick, sino posiblemente la mejor canción de power-pop de todos los tiempos. —JG

"Necesitamos éxitos y locura", explicó George Clinton en 1978 sobre el imperio P-Funk que él supervisaba. "La locura da más poder de permanencia. Tenemos que enfrentarlos a ambos y ganar y mantenernos al frente de la manada". Y el ritmo más loco de P-Funk sigue siendo "Flash Light", el monstruo bajo que concluyó el clásico de Parliament de 1977, Funkentelechy vs. the Placebo Syndrome, y, dijo Clinton, "el primer esfuerzo serio y consciente de P-Funk para grabar un sencillo de éxito". " Ciertamente tuvo éxito: "Flash Light" fue el número uno en la lista de soul de Billboard durante seis semanas en 1978, gracias a una línea de bajo fundido apilada, tocada por el tecladista Bernie Worrell en su sintetizador Moog. —MM

Colaboradores: Jon Dolan, Joe Gross, Maura Johnston, Michaelangelo Matos, Clayton Purdom